Artistas da
15ª Mostra
3M de Arte
Andréa Hygino
Andréa Hygino (Rio de Janeiro, RJ, 1992) é artista visual, arte-educadora e professora. Formou-se em Artes Visuais na UERJ e é mestre em Linguagens Visuais pela UFRJ.
A escola é território do seu trabalho, que tem a aprendizagem como interesse principal. Andréa investiga o ambiente escolar com uma prática que questiona os processos de alfabetização, adestramento, disciplina e repetição, e é no aluno desobediente que ela reconhece o lugar da crítica e da criação. Essas inquietações transformam a educação em gesto conceitual e propositivo, como em sua curadoria educativa da 14ª Bienal do Mercosul, em 2025.
Participou de residências e exposições no Brasil e no exterior, em instituições como JA.CA (Nova Lima, MG), Bag Factory Artists’ Studios (Joanesburgo, África do Sul), Kunstverein Bielefeld (Alemanha) e Artistes en Résidence (Clermont-Ferrand, França). Venceu o Prêmio FOCO ArtRio (2022), o 3º Prêmio SeLecT de Arte e Educação (2020, ao lado de Luiza Coimbra) e o Prêmio PIPA (2025).
Aula Suspensa
Nesta edição, a artista apresenta a instalação “Aula Suspensa”, em que carteiras escolares
estão penduradas como balanços, dispostas em círculo. Ao deslocar a carteira de sua função
disciplinar, Hygino transforma um dos principais instrumentos da escola em um convite à
experimentação coletiva, fazendo do movimento uma condução e nova condição para o
pensamento. O móvel feito para sentar e aprender agora estimula que o corpo se mova.
O gesto condensa um entendimento que atravessa todo o pensamento da artista: a alfabetização
e o estudo não como gestos de retenção (que fixa, memoriza e demanda), mas justamente seu
oposto – gesto que solta, oscila, balança. O balanço deixa de ser apenas uma imagem da
infância para tornar-se uma forma de produzir escuta, negociação e presença compartilhada.
Nessa ágora imaginada pela artista, crianças se reúnem para debater, balançar e deliberar.
avaf
avaf (assume vivid astro focus) é um coletivo de artistas fundado em 2001, de formação variável. O avaf trabalha com uma vasta gama de mídias e confronta códigos culturais arraigados e questões de gênero e política com uma superabundância de cores e formas. O trabalho parte de temas como liberdade de expressão, direitos civis, classe, gênero e identidade nacional, e questiona os pressupostos sobre autoria e sobre o papel da figura do artista — o próprio pseudônimo já faz parte desse modo de trabalhar coletivamente. A cor conduz uma linguagem universal que envolve o público e o coloca dentro da experiência.
Em 2026, avaf inaugurou seu primeiro parquinho para crianças no Museu Oscar Niemeyer (MON), em Curitiba. Já teve exposições e projetos de arte pública no Brasil e no exterior, em instituições como The High Line (2026), MASP (2024), Bass Museum (Miami, 2024), a Bienal de São Paulo (2008), o MoMA (2008) e a Whitney Biennial (2004). Está nas coleções do MASP, MAM São Paulo, MAM Rio, Centre Pompidou (Paris), MoMA e Whitney Museum (Nova York).
arcyria vulpicida amanita favolaschia
Para esta edição, avaf apresenta a obra inédita “arcyria vulpicida amanita favolaschia”, três escorregadores conectados por redes, pintados com seres meio fungo, meio líquen, meio flor – formas sem categoria fixa que se transmutam com o movimento de quem desce.
As redes permitem que as crianças alcancem os escorregadores em diferentes alturas, e é nessa estrutura que a obra revela seu desenho político: sem regras fixas e sem mediação, as crianças precisam negociar entre si a ordem e a direção da descida.
A vez (essa instituição elementar do brincar, que toda criança conhece e negocia desde sempre) precisa ser inventadade novo a cada subida. avaf instala ali uma situação real de negociação entre semelhantes, com consequências palpáveis para o indivíduo e o coletivo, devolvendo às crianças algo que a cidade raramente lhes oferece: um espaço genuíno para negociar o comum.
Castiel Vitorino Brasileiro
Castiel é artista plástica, escritora e psicóloga clínica formada na Universidade Federal do Espírito Santo e Mestra em psicologia clínica pela PUC-SP.
Em sua prática multidisciplinar, estuda assuntos como transmutação, liberdade e cura. Seu pertencimento familiar na diáspora Bantu-brasileira é o fundamento articulado em suas pesquisas. É autora do livro “Quando o sol aqui não mais brilhar: a falência da negritude” (2022).
Participou de exposições coletivas e individuais no Brasil e internacionais, como a 35ª Bienal de Arte de São Paulo. Sua mais recente exposição individual aconteceu na cidade do Rio de Janeiro, com o título de “Eterno Vulnerável” no Solar dos Abacaxis. Atualmente, realiza seu projeto de longa duração “Kalunga: a origem das espécies” disponível no site: https://kalungatheoriginofspecies.com
A cor do sol, do segredo e da descoberta
Nesta exposição, a artista apresenta “a cor do sol, do segredo e da descoberta”, um de seus “espaços perecíveis de liberdade”: dois grandes meios círculos revestidos por pinturas e mosaicos de espelhos. Ao retornar ao mosaico, Castiel reencontra uma prática ligada tanto às suas primeiras experiências de criação (anteriores às formulações teóricas que hoje atravessam sua pesquisa) quanto à elaboração de memórias que insistem em permanecer fragmentárias. Os espelhos incorporados à superfície refletem o entorno e os corpos que se aproximam da obra, tornando-os parte de sua composição, em permanente transformação e reflexo do contexto.
Pensados como estruturas para brincar, esconder-se e reaparecer, os meios círculos convidam crianças e adultos a habitar a obra de diferentes maneiras. Mais do que um objeto a ser observado, esse espaço perecível de liberdade se completa na presença de quem nele se vê refletido e o atravessa, fazendo do encontro, da imaginação e da brincadeira parte de sua própria forma.
Isabela Prado
Isabela Prado (Belo Horizonte, 1973) é mãe do Antônio, da Cora e do Jorge, artista visual, pesquisadora e professora. Graduada em gravura e desenho pela UFMG, mestre em Artes Visuais pela Indiana University (EUA), é doutoranda no PPGARTES/UERJ. Sua prática investiga a relação entre o indivíduo, a paisagem e o meio ambiente, e busca trazer à luz o que se mantém vivo, mesmo quando invisibilizado.
A artista dedica particular interesse àquilo que o traçado urbano soterra e faz esquecer, como os rios que correm sob as cidades, questão que atravessa seus projetos como Entre Rios e Ruas (desde 2006), contemplado com o Prêmio Funarte de Arte Contemporânea 2011 e a intervenção urbana Sobre o rio, que sinaliza, com 230 placas de esquina, os córregos invisibilizados na área central de Belo Horizonte.
Foi finalista do Prêmio Marcantonio Vilaça para as Artes Plásticas em 2019 e participou de residências artísticas em instituições como Ragdale Foundation (EUA), Shatana International Artists Workshop (Jordânia), Casa 13 (Argentina) e Al-Mahatta International Artists Workshop (Palestina). Expôs no Brasil e no exterior, teve trabalhos publicados no Chicago Art Journal e na revista Tatuí e atualmente é professora da Escola de Belas Artes da UFMG
Sonhar é preciso
Nesta edição, a artista apresenta a instalação “Sonhar é preciso”, composta por manilhas de concreto atravessadas por longas formas azuis, em alusão aos rios e córregos canalizados sob as ruas de São Paulo. Ao atravessar e manipular esses elementos, as crianças são convidadas
a imaginar as águas ocultas, os rios que seguem correndo sob o chão que pisamos.
Partindo da curiosidade e da imaginação, a artista transforma o brincar em uma forma de revelar aquilo que a urbanização tornou ausente, sugerindo que a cidade também se reinventa pelas relações que nela estabelecemos. Ao acompanhar o curso imaginado das águas, quem brinca é convidado a perceber que aquilo que desaparece de vista não deixa de existir, aguarda apenas outras formas de ser percebido.
Juca Fiis
Juca (Rio de Janeiro, 1989) trabalha no encontro entre arte, arquitetura e educação, com uma prática dedicada ao trabalho colaborativo, muitas vezes com crianças. Sua investigação trata a mediação e o aprendizado como matéria da própria obra, e não como etapa posterior a ela.
Participou de residências artísticas e educacionais, incluindo DocumentaFifteen (Kassel), ART OMI (Hudson, NY), Demonstra (Lisboa), QMA (Viena), Pivô (São Paulo), Fahrender Raum (Munique) e o Museo Tamayo (Cidade do México). Sua experiência em educação museológica inclui atuação no departamento de Educação do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e como consultor educacional no Museu do Amanhã. Juca Fiis foi convidade a apresentar seu trabalho em simpósios e palestras em locais como Universidade de Hildesheim (Alemanha), Drawing Projects (Reino Unido), Museu de Arte Moderna do Rio e Oficina Francisco Brennand (Brasil).
Que Onda
Nesta edição, o artista apresenta a instalação inédita “Que Onda”, formada por duas estruturas equipadas com mecanismos de giro que permitem a crianças acionar coletivamente uma corda de pular. Entre elas, um espaço livre acolhe o jogo, enquanto caixas percussivas distribuídas
ao redor convidam outros participantes a marcar o ritmo da brincadeira.
Algumas crianças batem corda, outras pulam, outras batem o compasso com tambores. O jogo acontece na sincronização dos gestos, produzindo uma ordem coletiva que parece depender menos de regras estabelecidas e mais da atenção umas às outras.
Em “Que Onda”, uma brincadeira conhecida torna-se um dispositivo público de encontro e encaixe. Fazer ondas, aqui, é um exercício de negociação de ritmos e de invenção de formas de encontro na cidade, na qual diferentes formas de participação precisam encontrar, continuamente, um modo de coexistir.
Rommulo Vieira Conceição
Rommulo (Salvador, BA, 1968) é artista visual cuja produção se desenvolve entre instalação, escultura, objeto e desenho. Sua pesquisa investiga criticamente a arquitetura moderna e os dispositivos que estruturam o espaço urbano, examinando como formas aparentemente neutras organizam relações de circulação, permanência, controle e pertencimento. Ao deslocar esses elementos de suas funções originárias, o artista transforma dispositivos utilitários em construções poéticas que suspendem a funcionalidade e convidam o público a experimentar tensões entre liberdade e restrição, presença e ausência, memória e transformação.
Desde 2000 vive em Porto Alegre, onde realizou mestrado em Poéticas Visuais na UFRGS. Participa de exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior desde 1998. Entre suas principais participações estão a 35ª Bienal de São Paulo, a 8ª e a 10ª Bienais do Mercosul, Axe Bahia: The Power of Art in an Afro-Brazilian Metropolis (Fowler Museum, Los Angeles, 2018) e Dos Brasis: Arte e Pensamento Negro (SESC Belenzinho, São Paulo, 2023). Suas obras integram importantes coleções públicas como Inhotim, Pinacoteca do Estado de São Paulo, MAC-USP, MARGS e MACRS. É representado pela Galeria Aura, em São Paulo.
Junta
Nesta edição, o artista apresenta “Junta”, uma casa suspensa de cores vibrantes, acessada por uma escada de madeira. Evocando as casas na árvore que povoam o imaginário infantil, sua estrutura parte de desenhos de árvores realizados por crianças, convertendo esse repertório comum em um espaço comum. Ao tomar o desenho infantil como projeto arquitetônico, o artista entrelaça imaginação, coletividade e construção.
No centro da casa suspensa, uma mesa redonda organiza o espaço. Se a casa na árvore costuma ser pensada como um lugar de encontro exclusivo para crianças, “Junta” a transforma em uma estrutura de negociação e deliberação, em que o brincar inspira a copresença, a convivência e a troca com formas fundamentais para a construção da vida coletiva